사진의 종류와 장르. 사진 장르. 팝아트는 모든 경계를 지운다

사진의 종류

1) 흑백 사진.

역사적으로 최초의 사진 유형입니다. 컬러 사진과 디지털 사진의 출현 이후에도 흑백 사진은 인기를 유지했습니다. 종종 컬러 사진은 예술적 효과를 위해 흑백으로 변환됩니다.

2) 컬러 사진.

컬러 사진은 19세기 중반에 등장했습니다. 최초의 영구 컬러 사진은 1861년 James Maxwell이 3색 사진(색상 분리 방법)을 사용하여 촬영했습니다. 색상 분리는 원본의 컬러 이미지를 동일한 비율의 별도의 단색 이미지로 분할하는 것입니다.

이 방법을 사용하여 컬러 사진을 얻기 위해 컬러 필터(빨간색, 녹색, 파란색)가 설치된 카메라 3대를 사용했습니다. 결과 사진을 통해 투영하는 동안(그리고 나중에 인쇄하는 동안) 컬러 이미지를 재현할 수 있었습니다.

3색 사진법 개발에서 두 번째로 중요한 단계는 1873년 독일의 광화학자 헤르만 빌헬름 보겔(Hermann Wilhelm Vogel)이 감광제, 즉 다양한 파장의 광선에 대한 은 화합물의 민감도를 증가시킬 수 있는 물질을 발견한 것입니다. Vogel은 스펙트럼의 녹색 부분(물리량 값의 분포: 에너지, 주파수 또는 질량)에 민감한 구성을 얻었습니다.

3색 사진의 실제 사용은 보겔의 학생인 독일 과학자 아돌프 미테(Adolf Miethe)가 사진판을 스펙트럼의 다른 부분에 민감하게 만드는 증감제를 개발한 이후 가능해졌습니다.

20세기 초부터 색분리법과 함께 다른 컬러사진의 공정(방법)도 활발히 발전하기 시작했다. 특히 1907년에는 뤼미에르 형제의 오토크롬 사진판이 특허를 받고 무료로 판매되면서 컬러 사진을 비교적 쉽게 구할 수 있게 되었다. 수많은 단점(페인트의 빠른 퇴색, 판의 취약성, 거친 이미지)에도 불구하고 이 방법은 빠르게 인기를 얻었으며 1935년까지 전 세계적으로 5천만 개의 오토크롬 판이 생산되었습니다.

3) 즉석 사진.

전통적인 사진보다 더 복잡한 구조를 가진 특수 사진 재료를 사용하는 사진 유형입니다. 이러한 사진 자료에는 사진 레이어의 화학적 처리를 위한 시약이 담긴 용기가 내장되어 있으며 촬영 직후 자동으로 현상되어 기성품의 긍정적인 이미지를 제공합니다. 이러한 사진 키트의 가장 유명한 제조업체는 폴라로이드 회사로, 창립자인 Edwin Land가 이미지 전송 원리를 발명했습니다.

4) 디지털 사진.

디지털 사진은 Sony가 디스크에 이미지를 기록하는 CCD 매트릭스를 탑재한 Sony Mavica 카메라를 출시했던 1981년에 시작된 상대적으로 젊지만 인기 있는 기술입니다. 이 장치는 현대적인 의미에서 디지털이 아니었지만(아날로그 신호가 디스크에 기록됨) 사진 필름을 버릴 수 있게 해주었습니다. 최초의 본격적인 디지털 카메라인 DCS 100은 1990년 Kodak에서 출시되었습니다.

사진의 장르

20세기에 이르러 사진 기술이 충분히 발전하고 충분히 감도가 좋은 사진 재료와 편리한 카메라가 등장하면서 사진은 기술적 호기심에서 벗어나 회화와 관련된 미술의 한 형태로 변모했지만, 회화와는 달랐다.

예술 문화에서 사진의 특별한 위치와 중요성은 사진의 기술적, 과학적 본질과 관련이 있습니다. 사진의 가장 중요한 속성은 신뢰성, 즉 포착된 사건의 진정성입니다. 동시에 그림이나 그림에서와 마찬가지로 이미지는 예술적 일반화, 표시된 상황의 내적 의미 공개, 묘사된 사람의 성격 등을 그 자체로 담고 있습니다.

기본적으로 사진가는 사진 장비와 사진 자료 등 특정 "색상"을 가진 예술가입니다. 사진가는 회화의 시각적 수단과 마찬가지로 사진의 시각적 수단(샷 포인트, 각도, 선형 구도, 평면도, 원근감, 조명)을 사용합니다. 추가 도구는 화학적 사진 처리입니다. 일부 현대 사진 장르는 해당 장르의 회화를 반복하는 반면 다른 장르는 사진에만 국한됩니다.

예술로서의 사진의 주요 장르.

1) 초상화.

초상화는 예술적 수단(회화, 조각, 그래픽, 사진, 인쇄)은 물론 문학 및 범죄학(언어 초상화)을 통해 현실에 존재하거나 존재했던 개인 또는 집단에 대한 이미지 또는 설명입니다.

2) 정물.

정물화(프랑스 자연 모르트 - "죽은 자연")는 초상화, 장르, 역사 및 풍경 주제와 달리 미술의 무생물 이미지입니다.

3) 풍경.

풍경(프랑스어 Paysage, 유료 - 국가, 지역)은 미술 장르(이 장르의 개별 작품뿐만 아니라)로, 이미지의 주요 주제는 자연 그대로의 자연이거나 자연이 어느 정도 변형된 것입니다. 남성. 풍경에 대한 현대적인 생각은 수세기에 걸쳐 풍경을 묘사하는 예술적 기법의 발전과 함께 형성되었습니다. 조경 작업에서는 대기 상태, 공기 및 빛 환경과 그 가변성을 전달하는 원근감 구성 및 뷰 구성에 특별한 중요성이 부여됩니다.

4) 사진 찾기.

야생동물 사진(Wildlife Photography)은 새, 동물, 곤충, 기타 자연 상태의 생물을 피사체로 하는 사진의 한 유형입니다. 그것은 세 가지 측면을 결합합니다 - 스포츠 (따라서 20 세기 초에 등장하여 우리 시대에 특히 인기를 얻은 새로운 유형의 스포츠 사냥으로 간주 될 수도 있음) - 인지(cognitive)는 문서화를 기본 요구 사항으로 간주하는 생물학 분야의 과학적 연구 방법으로 사진과 통합됩니다. - 예술적, 예술의 한 형태로서 예술 사진의 유형 중 하나를 형성하기 때문에 - 이 경우 미적 기준이 결과를 평가하는 주요 기준이 됩니다.

5) 매크로 사진.

매크로 사진(고대 그리스어 μακρός - 대형, 대형)은 사진, 영화 또는 비디오 사진의 한 유형으로, 그 특징은 1:2 - 20:1(즉, 1 카메라 감광성 물질의 이미지 1cm는 물체의 2~0.05cm에 해당합니다.

매크로 사진이라는 용어는 카메라 렌즈의 거리 눈금에 표시된 거리보다 더 가까운 거리에서 사진을 찍는 경우에 더 널리 사용됩니다(대부분의 SLR 카메라 렌즈의 최소 초점 거리는 약 0.5m, 거리계 카메라 렌즈의 경우 약 1m). .

매크로 사진은 확대된 이미지를 형성하는 원리입니다. 렌즈는 사진 필름, 사진 판, 인화지, 필름 또는 전자 장치(디지털 카메라나 비디오 카메라의 매트릭스, 텔레비전 카메라의 비디오콘) 등 감광성 재료에 촬영된 물체의 실제 확대 이미지를 생성합니다. 현미경 사진은 광학 현미경을 사용하여 더 작은 물체를 촬영하는 데 사용됩니다.

6) 보고.

보고서는 현장에서 보내는 메시지다. 효율성을 특징으로 하는 저널리즘의 장르입니다. 또한 이 장르는 사건을 공정하게(판단하지 않고) 보도하는 것이 특징이며, 기자가 설명 내용의 목격자 또는 참여자로 가정됩니다. 보고서 작성자가 반드시 사건의 주인공일 필요는 없지만(예를 들어 "기자가 직업을 바꾼다"와 같은 자료에 등장할 수도 있음) 항상 사건에 대한 적극적인 관찰자이자 해설자입니다. 보고서에 나오는 사건은 (때때로 일반적으로 생각되는 것처럼) 연출된 것이 아니라 전체적으로 재현됩니다. 즉, 보도는 사건의 목격자나 참여자인 작가의 직접적인 인식을 통해 사건을 시각적으로 표현하는 장르이다.

특정 유형의 사진.

1) 항공 사진.

항공 사진은 대기 항공기(비행기, 헬리콥터, 비행선 등 또는 무인 유사체)에 장착된 항공 카메라를 사용하여 수백 미터에서 수십 킬로미터 높이의 영토를 촬영하는 것입니다.

항공 사진에서 얻은 이미지는 지도 제작, 토지 경계 결정, 종 정찰, 고고학, 환경 연구, 영화 및 광고 제작 등에 특히 유용합니다.

2) 로모그래피.

로모그래피는 삶의 모든 모습을 있는 그대로 포착하는 것을 목표로 하는 사진 장르입니다. 로모그래퍼들은 특이한 각도에서 찍은 수많은 저품질 필름 프레임에서 아름다움을 찾습니다.

이를 위해 1983년에 출시된 레닌그라드 광학 및 기계 협회 "LOMO Compact - Automatic"("LOMO LC-A")의 자동 컴팩트 카메라가 처음 사용되었으며, 이것이 이름의 유래입니다. 비엔나에 본사를 둔 국제 로모그래픽 협회(International Lomographic Society)가 유지 관리하고 개발했습니다.

로모그래피는 선명도, 믿을 수 있는 색상 표현, 균일한 프레임 밀도 등 다큐멘터리 사진의 전통적인 품질 기준을 고려하지 않고 순간을 포착합니다. 이는 대부분의 로모그래픽 장치 디자인의 가용성과 단순성, 그리고 일부 로모그래퍼의 낮은 사진 활용 능력의 결과입니다. 이 때문에 일부 사진가와 아마추어 사진가들은 로모그래피의 개념을 일종의 흐릿하고 품질이 낮은 아마추어 사진으로 오해하고 있습니다. 전시회에서 로모그래픽 사진은 모자이크 방식으로 로모 벽에 그룹화되어 있으며, 각각의 프레임은 예술적 가치를 가질 뿐만 아니라 무엇이든 묘사할 수 있는 전체성을 갖습니다.

3) 루미노그래피.

루미노그래피(Luminography)는 빛나는 물체(광원 또는 반사, 이름(라틴어 루멘 "빛", 고대 그리스어 γράψΩ "글쓰기")에서 따온 것)을 촬영하는 것입니다. 서양에서는 라이트 페인팅이라는 용어가 예술에서 이러한 방향을 나타내는 데 가장 자주 사용됩니다. 사진의 .

루미노그래피에는 정적 방법과 동적 방법의 두 가지 주요 방법이 있습니다. 일반적인 규칙은 노출 시간이 길다는 것입니다.
정적 방법: 카메라가 고정되어 있고 광원이 움직입니다.
동적 방법: 카메라가 자유롭게 움직입니다. 광원은 고정되어 있습니다.
혼합 방식: 카메라와 광원이 이동 가능합니다.

루미노그래피는 20세기 전반에 일부 예술가들의 작품에 등장합니다. 이 방법의 선구자는 Man Ray, Pablo Picasso, Gjon Mili 등이었으며 독일의 Kamil Varga, Kensi Goepel 및 Jens Warnecke, Lichtfaktor 및 LAPP PRO 그룹, 미국 등 미국과 유럽에서 주기적으로 관심이 폭발했습니다. Darius는 Luminography Twin, Finn Hanu Huhtamo 등의 분야에 종사하고 있습니다.

4) 수중 사진.

수중 사진 - 물속에 위치한 다양한 물체를 촬영하고 사진을 찍습니다.
일반적으로 이는 특수 방수 장비를 사용하거나 수중 촬영 상자 또는 부드러운 방수 케이스에 넣은 일반 카메라 또는 영화 카메라를 사용하여 발생합니다.

얕은 수심의 수중 사진 촬영을 위한 세트는 일반적으로 상자 안의 카메라와 자동 조명 장치로 구성됩니다. 전문 촬영은 자율 전원을 갖춘 여러 조명 장치, 지상 또는 수중 차량에 장비를 설치하는 수단, 장비의 수중 운송 수단 및 운영자 간의 통신 수단을 사용하여 수행됩니다. 현대 장비를 사용하면 원격 제어 장치를 사용하여 사람이 접근할 수 없는 깊이에서도 촬영이 가능합니다.

5) 가벼운 그래픽.

라이트 그래픽 (영어 라이트 그래픽) 또는 라이트 페인팅 (영어 라이트 페인팅의 트레이싱 페이퍼-빛으로 그리기)은 사진 스타일, 빛으로 페인팅하는 기술입니다.

라이트 그래픽의 두 가지 주요 방법은 정적 및 동적입니다.

정적 렌더링 방법.
모노 구성. 이 방법의 핵심은 서로 다른 측면에서 빛을 받아 물체를 그리는 것입니다. 스위치가 켜진 광원의 움직임을 배제해야 합니다. 방향이 있는 짧은 빛의 버스트만이 깔끔하게 조명된 영역과 자연스럽게 이어지는 그림자를 만듭니다.
다중 구성. 렌더링 개체를 여러(2개 이상) 고정 위치로 이동합니다. 한 프레임 안에는 같은 인물이나 사물이 빛으로 각기 다른 위치에 그려져 있다.

동적 렌더링 방법.
움직이는 빛. 광원(라이트 세이버)의 도움으로 우주에서의 모든 종류의 즉흥 연주를 그립니다. 배경 평면을 채우고 라이트 캔버스의 스타일을 지정하는 데 사용됩니다. 예: 모든 종류의 비문, 장식품, 장식.
렌더링 평면 이동, 광 이동(LS). 이는 움직이는 평면의 빛의 흔적을 기록하는 방법입니다.
흐림. 질감과 디테일을 제거하기 위한 방향성 조명의 움직임. 이 방법은 구성 요소를 평활화하는 데 적합합니다. 광선이 이동함에 따라 빛-그림자 경계가 흐려집니다.
왜곡과 굴절. 이 방법의 결과는 정적 렌더링 및 반사 표면을 사용하여 달성됩니다. 이러한 이미지를 얻는 기술은 SS와 매우 유사하지만 결과는 반사된 물체의 모양에 따라 달라집니다.

위의 모든 방법은 단일 프로세스의 일부일뿐입니다. 그들은 독립적이고 서로 완벽하게 결합되어 있습니다.

6) 사진 콜라주.

사진 콜라주(프랑스 콜라주 - 접착)는 미술 분야의 기술적 기법으로, 기본 개체와 색상 및 질감이 다른 기본 개체 및 재료를 접착하여 그림이나 그래픽 작품을 만드는 것으로 구성됩니다.

콜라주는 주로 작품의 감성적 풍부함과 애절함을 위해서 뿐만 아니라 서로 다른 재료들의 조합으로 인한 놀라움의 효과를 얻기 위해 사용됩니다.

콜라주 기법은 1910~1912년에 조르주 브라크(Georges Braque)와 파블로 피카소(Pablo Picasso)에 의해 미술에 처음 사용된 것으로 알려져 있습니다. 콜라주 기법에만 전념한 최초의 예술가는 쿠르트 슈비터스(Kurt Schwitters)였습니다.

오늘날 세계에서 가장 강력하고 영향력 있는 시각 미디어 중 하나는 사진입니다. 아니면 오히려 사진. 사진은 주어진 가능성의 도움으로 사람에게 엄청난 영향을 미칠 수 있습니다. 사진은 인쇄된 정보와 구두 정보를 시각화하는 데 사용되며, 말의 도움 없이 일부 사건이나 사건에 대한 원본 디스플레이, 이야기로 사용됩니다. 누구나 천 마디 말보다 사진 한 장이 가치 있다는 대중적인 격언을 들어본 적이 있을 것입니다.

사진 예술은 접근하기 쉽고 유연하며 생동감이 있어 오늘날 사람들 사이에서 인기를 얻고 있는 창의성의 한 형태입니다. 다른 유형의 미술에 비해 가장 큰 장점은 작품 제작이 상대적으로 즉각적이라는 것입니다. 사진 예술에 진지하게 참여하는 사람의 수하물에는 창의성, 검색, 작업의 넓은 분야가 있습니다. 사진에는 본질적으로 작가가 보는 사람의 의식의 가장 숨겨진 구석까지 꿰뚫는 데 도움이 되는 다양한 시각적 도구, 기술 및 효과가 포함되어 있습니다. 또한 모든 연령, 국적, 사고방식, 사고 유형의 시청자가 시청할 수 있습니다.

예술 전문가들은 사진을 활동 유형으로 상업, 예술, 기술의 세 가지 주요 방향으로 분류합니다. 이 모든 분류와 함께 예술로서의 사진은 여러 장르로 나눌 수 있습니다.

사진의 각 장르는 고유한 내부 법칙에 따라 생활하고 작동합니다. 오늘 우리는 예술로서의 사진의 10가지 주요 장르에 대해 이야기하고, 말하자면 인기와 중요성 측면에서 상위 10가지를 제시하고자 합니다.

솔직한 소셜 사진

이것은 아마도 가장 복잡하고 극적인 사진 장르일 것입니다. 과장하지 않으면 가장 감정적이고 갈등적이라고 할 수 있습니다. 이 장르의 사진은 거의 항상 "숨겨진 카메라"로 촬영됩니다. 즉, 사진가의 시야에 있는 사람은 일반적으로 자신이 사진을 찍고 있다는 사실을 모릅니다. 그는 카메라 렌즈를 들여다보지 않고 사진가에게 주의를 기울이지 않습니다. 소셜 사진은 주로 신문, 잡지, 서적, 오늘날 인터넷 뉴스 포털 등에서 볼 수 있습니다. 피사체의 자연스러운 표현은 이 사진 예술 장르의 특징입니다. 이러한 사진에는 연기, 연출, 연출이 전혀 없는 경우가 많습니다. 소셜 사진은 포토 저널리즘의 기초, 기초라고 할 수 있습니다. 이 장르로 촬영된 사진은 그 안에 묘사된 인물의 실제적이고 생생한 감정을 자연스럽고 자연스럽게 반영합니다. 별다른 꾸밈 없이 화면 속 사람들의 감정과 느낌을 관객의 의식 속으로 보여주고 전달한다. 이것은 이미 말했듯이 사진을 찍는 사람이 사진을 찍는 사람을 보지 못하기 때문에 발생합니다. 아니면 다른 이유로 인해 그는 단순히 그에게 관심을 기울이지 않습니다.

어떤 경우에는 그러한 사진이 시청자에게 미치는 감정적 영향이 너무 커서 출판사가 해당 사진을 미디어에 게시할 위험을 감수하지 않는 경우도 있습니다.

다음은 소셜 사진 분야에서 일했거나 현재 일하고 있는 사진가의 이름입니다. : 이반 샤긴, 앙리 카르티에 브레송, 베키 데푸터, 알렉스 마시, 잉게 모어, 도로테아 랭, 크리스토퍼 앤더슨, 로버트 카파, 제이콥 아우구스트 리스, 다르샨 라구비라, 알렉산더 글랴델로프, 히로이 쿠바토, 조지 로저, 리알리아 쿠즈네초바, 게오르기 핀하소프, 크리스티나 가르시아 로베로, 루이스 하인, 데이비드 세이모어, 티나 모도티, 아르노 피셔.

야생동물 사진

야생동물은 사진을 찍기가 매우 어렵습니다. 자신의 작업을 이러한 사진 장르와 연결하는 사진가는 자발적으로 심각한 어려움에 처하게 됩니다. 때로는 그들의 작업이 생명에 심각한 위험을 초래하기도 합니다. 이 장르의 마스터는 안전한 거리에서 동물을 촬영할 수 있는 우수하고 값비싼 장비, 강력한 장초점 렌즈가 필요합니다. 자연 서식지에서 촬영한 동물의 원본 사진은 감정적으로뿐만 아니라 순전히 물질적으로도 항상 가치가 있습니다. 그리고 이것은 자연스러운 일입니다. 우리 모두가 육체적으로나 금전적으로 이런 종류의 탐험을 수행할 준비가 되어 있지는 않습니다. 이미 말했듯이 그러한 촬영에 필요한 장비는 일반적으로 매우 비쌉니다.

야생동물 사진은 주로 전문 출판사에서 다루고 있습니다. 그중 가장 유명한 것은 Animal Planet과 National Geographic입니다.

비싸고 정교한 사진 장비를 보유하는 것 외에도 이러한 사진 장르에 종사하는 사진가는 특정 성격 특성을 갖추어야 합니다. 그는 위험에 익숙해져야 하고, 추위와 더위를 걱정해서는 안 되며, 세심하고 인내심이 있어야 합니다. 동물의 습성과 생활을 알아야 합니다.

이 장르에서 활동하는 가장 유명한 사진가는 Mario Herta입니다.

거리 사진

거리 사진 장르는 위에서 설명한 두 가지 장르보다 흥미롭고 매력적입니다. 게다가 그는 그들보다 덜 복잡하지 않습니다. 거리 사진은 무엇보다도 다큐멘터리 사진입니다. 본질적으로 소셜 사진 장르에 가깝습니다. 그러나 그 스펙트럼은 다소 넓습니다. 거리 사진은 단순히 여러 도시의 거리를 촬영하는 것과는 거리가 멀다. 이것은 일상 생활, 평범한 사람의 삶, 일상, 일상 환경에서의 생활 활동을 기록하는 것입니다. 이 장르에서 찍은 좋은 사진은 일반적으로 거리의 영혼을 반영하고, 보는 사람에게 그 분위기를 전달하며, 사진 작가의 외부 개입 없이 꾸밈 없이 자연스럽게 그 삶을 보여줍니다. 거리 사진은 어느 정도 포토저널리즘으로 분류될 수 있습니다.

이러한 유형의 사진 예술은 주로 통신사에 알려져 있습니다. 오늘날 가장 인기있는 것은 "매그넘"입니다.

거리 사진은 Alexander Rodchenko, Ho Fan, Eliot Erwitt, Alfred Eisenstadt, Ernst Haas, Stuart D. Halperin, Daido Moriyama, Rinko Kawauchi, Trent Park, Eli Reed, Tai Kei Chin, Zoe Strauss, Sibylle Bergemann, 다이아나 아버스, 에바 아놀드, 안드레 케르테스, 로버트 프랭크,

경치

과장하지 않고 사진의 풍경 장르는 모든 장르 중에서 가장 인기가 있다고 말할 수 있습니다. 동시에 풍경은 가장 보람있는 장르입니다. 여기서 중요한 점은 사진작가가 아무것도 발명할 필요가 없다는 것입니다. 주변 세계, 우리 장엄한 행성 지구의 여러 구석구석의 자연은 그 자체로 아름답습니다. 창조주께서 친히 이 아름다움과 조화를 돌보셨습니다. 다양한 나라의 많은 사진작가들이 자신의 모든 창의성을 풍경에 바치고 평생을 풍경을 위해 바칩니다.

풍경 사진 장르는 야생 동물 사진과 마찬가지로 관련자들의 엄청난 관심과 인내가 필요합니다. 좋은 결과를 얻으려면 가장 엄격한 비평가 인 시청자의 관심을 끌만한 멋진 사진을 얻으려면 작가는 육체적으로나 도덕적으로 엄청난 시간과 노력을 투자해야합니다. 예를 들어, 아름다운 새벽 사진을 찍으려면 사진가가 필요로 하는 장소의 수평선 위로 태양이 나타나기 훨씬 전에 밖으로 나가서 촬영해야 합니다. 그리고 아름다운 일몰을 그 색깔로 포착하려면 아주 오랜 시간을 기다려야 합니다. 때로는 사진가가 원하는 것을 얻지 못할 수도 있습니다. 풍경 장르는 소란이나 서두름을 용납하지 않습니다. 자연 자체가 이것을 용납하지 않는 것처럼. 자연은 그것을 사랑하고 이해하는 사람들에게만 그 모든 아름다움과 웅장함을 드러냅니다.

사진 풍경의 인기는 카메라를 가진 거의 모든 사람, 심지어 가장 단순한 카메라라도 이 장르에 참여할 수 있다는 사실에도 기인합니다. 풍경은 누구나 접근할 수 있기 때문에 많은 사람들이 참여합니다. 많은 사람들에게 이것은 단순한 취미에 지나지 않으며, 다른 사람들에게는 친구와 가족을 위한 먼 나라 여행이나 주말 숲 여행에 대한 보고서입니다. 그러나 풍경 사진의 명백한 접근성이 이 문제의 단순성을 의미하는 것은 아닙니다. 모든 사진가가 좋은 풍경을 만드는 데 성공하는 것은 아닙니다. 그리고 그것은 사진 작가가 사진을 찍는 것이 정확히 무엇인지에 달려 있지 않지만 그가 사진을 찍는 방법, 주변 세계를 보는 방법, 작업에서 사용하는 시각적 의미에 달려 있습니다.

세계 풍경 사진의 선두주자는 평생을 풍경에 바친 안셀 아담스(Ansel Adams)라고 할 수 있습니다. Dave Hacker, Alex McLean, Don Hong-Oai, William Abranovich, Brian Kosoff 및 Michael Levin도 이 장르의 작업으로 유명합니다.

도시 또는 건축 풍경

일반적으로 넓은 의미에서 건축적 도시경관은 우선 도시와 도시의 미학, 아름다움, 문화를 사진으로 담는 것이다. 도시 환경 속에 존재하는 건물과 구조물을 촬영하며, 그 속에서 자신의 삶을 살아갑니다. 도시 풍경은 거리 사진의 장르와 약간 유사합니다. 이 두 장르의 사진 예술의 차이점은 주로 풍경이 거리의 아름다움을 강조하는 것이지 거리에서 일어나는 일을 강조한다는 것입니다.

이 장르의 복잡성과 흥미는 그의 작업에서 사진가가 특정 순간, 특정 장소에서 발생하는 빛을 사용해야 한다는 것입니다. 스튜디오나 보도 사진과 달리 도시 풍경을 촬영할 때는 추가 조명 장치를 사용할 수 없습니다. 낮에는 일반적으로 태양이라는 광원이 하나만 있습니다. 밤의 도시에서는 광원의 수가 수천은 아니더라도 수백 개로 측정됩니다. 여기에는 광고 조명, 자동차 헤드라이트, 집 창문의 조명, 다양한 모양과 시스템의 가로등이 포함됩니다. 때로는 흡연하는 행인의 담배 불빛도 역할을 할 수 있습니다. 그리고 달은요? 이것은 또한 훌륭한 광원입니다. 우리는 그녀를 결코 잊어서는 안됩니다.

도시 풍경 장르의 창의적인 작업에 대한 현대 기술과 경험을 통해 현대 사진 마스터는 웅장한 아름다움과 심오한 내용의 작품을 만들 수 있습니다. 그들은 빛과 그림자, 구도를 가지고 작업하고 온갖 종류의 실험을 수행하는 방법을 알고 있습니다.

유명한 도시 풍경 사진작가의 이름은 다음과 같습니다: Josef Sudek, Dave Hacker, Susan Barnstein, Stuart D. Halperin, Joseph Zarub, Ho Fan, William Abranovitch.

식물 사진 촬영

세계 최초의 여성 사진가로 평가받는 안나 앳킨스가 세계 최초로 개별 식물의 사진을 찍은 지 100년 이상이 흘렀습니다. (그녀가 200여년 전, 푸쉬킨보다 두 달 전인 1799년 3월에 태어났다는 사실이 믿기지 않습니다. !). 그 이후로 많은 사진 전문가들이 식물 사진 촬영에 창의력을 바쳤습니다. 다양한 나라에서 온 수백 명의 사진가들이 이 사진 장르에 자신을 드러냈습니다. 사진사에는 야채, 과일, 꽃만을 사진으로 찍는 대가들도 있었습니다. 이 사진 예술 장르에는 음식과 식품 전반의 사진 촬영만 포함되는 것이 아닙니다. 여기서 사진가가 촬영하는 대상은 단지 사진의 대상이 아니다. 이 경우 식물은 예술의 대상인 사진 실험의 대상으로 작용합니다. 이 장르로 제작된 사진은 대상의 외관을 기록할 뿐만 아니라 그 아름다움과 완벽함을 보여주어야 합니다. 개별 식물을 사진으로 찍는 것은 사진의 미니멀리즘 유형 중 하나입니다. 이것은 매우 흥미로운 장르입니다. 복잡한 사진 촬영에 익숙하지 않은 일반 사람에게는 언뜻보기에 사과, 감자 또는 장미 꽃 봉오리를 촬영하기 위해 지식과 경험이 전혀 필요하지 않은 것처럼 보일 수 있습니다. 그러나 이것은 근본적으로 잘못된 의견입니다. 이런 종류의 창의성을 발휘하는 사진가는 기술, 기술에 대한 지식, 구성 법칙 등을 갖추어야 합니다. 그는 예술에 대한 특별한 스타일 감각과 재치가 필요합니다.

오늘 이미 언급한 Anna Atkins와 Denis Brihat 및 Joyce Tenneson이 장엄한 식물 사진을 찍었습니다.

초상화

초상화 장르는 미술의 모든 유형과 장르에 매우 널리 퍼져 있습니다. 물론 여기의 사진도 예외는 아닙니다. 풍경 사진과 마찬가지로 이 장르의 인기, 단순함, 접근성이 카메라를 사용하는 모든 사람이 접근할 수 있다는 의미는 아닙니다. 이 장르의 거장이 만든 사진 초상화를 자세히 살펴보세요. 초상화는 단순히 외모가 자신과 닮은 사람의 사진이 아닙니다. 훌륭하고 실제적인 초상화는 사람의 성격, 내면 세계를 전달합니다. 정말 좋은 인물 사진을 만들기 위해서는 풍부한 경험과 인물에 대한 지식, 그의 심리, 그리고 인물을 이해하는 능력이 필요합니다. 무엇보다도 빛을 알고 이해해야 하며 올바르게 정리할 수 있어야 합니다... 인물 사진은 모든 사진 장르 중에서 가장 어려운 장르라고 할 수 있고, 불러야 합니다.

세계 최고의 인물 사진 작가는 Moses Nappelbaum과 Yusuf Karsh라고 할 수 있습니다. 또한 초상화 장르와 그 이름은 Alexander Rodchenko, Lilian Basman, Cindy Sherman, Mario Gert, Diane Arbus, Victoria Will, Eva Arnold, Bert Stern 및 기타 여러 훌륭한 사진 작가에 의해 영광을 얻었습니다.

패션 사진

패션 사진이라는 장르는 패션 산업의 발전과 함께 전 세계적으로 발전해 왔습니다. 패션 사진은 사진 창의성의 특별한 장르로, 다른 사진 장르와는 완전히 다릅니다. 패션 사진은 다양하고 광범위합니다. 여기에는 스튜디오 촬영, 현장 촬영, 자연, 거리, 다양한 건축물을 배경으로 한 촬영, 패션쇼 촬영 등이 포함됩니다.

오늘날 패션계에서 활동하는 사진가들의 이름을 거론하는 것은 의미가 없다. 이는 그들에게도, 관객인 우리에게도 감사할 수 없는 일이다. 그러나 그럼에도 불구하고 우리는 몇 가지 이름을 인용할 위험이 있습니다. 이 사진가들은 패션 사진의 발전에 이전에 알려지지 않았던 많은 새로운 것들을 소개했습니다. 이러한 이름은 Cindy Sherman, Fabrizio Ferri, Annie Leibovitz, Corinne Day, Lillian Busman, Slim Aarons, Deborah Tuberville입니다.

에로틱 사진

사진의 에로틱 장르는 다른 장르와 마찬가지로 여러 장르의 요소를 포함합니다. 그는 일부는 패션 사진에서, 일부는 인물 사진에서, 때로는 풍경과 보도에서 차용합니다. 대체로 에로틱한 사진은 사람의 나체 사진이다. 여기서 에로티시즘과 과도한 노출의 정도는 전적으로 사진 작가, 그의 계획, 사진 아이디어에 달려 있습니다. 저자가 스스로 설정 한 목표와 목표에 따라 다릅니다.

Igor Mukhin, Alexander Grinberg, Newton Hellmuth, Irina Ionescu, Nobuyoshi Araki, Bert Stern, Frantisek Drtikola, Brassaï, Robert Mapplethorpe, Josephine Sakabo 등 가장 유명한 에로틱 사진 거장의 이름은 다음과 같습니다.

실험적인 사진

오늘날, 포토샵과 다른 현대적 기적의 시대에 사진은 수십 년 전에는 갖지 못했던 많은 가능성을 얻었습니다. 그러나 그럼에도 불구하고 "Photoshop"은 이전에도 어떤 방식으로든 존재했습니다. 네거티브를 다른 네거티브 위에 겹쳐서 결합한 사진은 19세기에 인쇄되었습니다. 이 기술은 1858년 Henry Robisan의 작품에서 처음 사용되었습니다. 이후 많은 사진작가들은 촬영기술과 가공기술 모두에서 사진기술에 대한 다양한 경험과 실험을 통해 자신의 아이디어를 실현하기 시작했다. 오늘날 현대 사진가는 전임자보다 자신의 목표를 달성할 수 있는 기회가 훨씬 더 많습니다. 사진, 꿈, 감정, 꿈의 가상 세계에서 자신 만의 독특한 세계를 만드는 것이 몇 배 더 쉬워졌습니다. 그리고 점점 더 많은 사진 전문가들이 이에 성공하고 있습니다. 실험적인 사진은 매년, 매일 인기를 얻고 있습니다.

Fedor Markushevich, Dave Hacker, Josef Sudek, Francesca Woodman, Frantisek Drtikol, Cindy Sherman, Pep Ventos, Susan Bernstein, Jersey Welsman, Josephine Sakabo 등 이 장르에서 작업하고 작업 중인 최고의 사진가의 이름은 다음과 같습니다.

'장르' 사진은 매우 흥미롭지만 모호한 개념이다. 그리고 어떤 사진이 장르 스타일로 만들어졌는지, 어떤 사진이 아닌지에 대한 정확한 아이디어를 제공하는 것은 매우 어렵습니다. 장르 사진은 사람들의 행동과 상태에 관한 것입니다. 이러한 사진의 주제는 종종 삶, 사회, 가정, 일상 환경 및 다양한 사람들의 삶에서 찍은 장면입니다.

장르 사진은 다음과 같습니다.
보도 – 연출이나 연출을 포함하지 않는 이벤트 촬영
단계적(staged) - 장면을 연출하고 주인공을 가상의 상황에 소개하는 일이 포함됩니다. 필요한 경우 웨딩 사진 작가가 이러한 사진을 저렴하게 촬영할 수 있습니다.
사진 보고의 도움으로 훌륭한 장르의 사진이 만들어집니다. 그리고 사진가는 현실에서 피사체를 찾아야 한다. 이 방법을 지지하는 사람들은 주변의 외부 세계가 다양한 표현의 집합체로 가득 차 있으며, 모든 사진가의 목표는 그것을 알아차리고 포착하는 것이라는 믿음에서 출발합니다. 보도 장르 사진은 사건을 사진으로 옮기는 것입니다.
장르의 프로덕션 샷은 감독의 노력의 결과로 탄생한다. 사진작가들은 웨딩 사진을 만들 때 이 방법을 자주 사용합니다. 계획을 실행하면서 사진가는 배경과 구도를 선택하고 조명도 설정하며 촬영 대상자에게 포즈, 동작, 몸짓을 제안합니다. 그리고 이것은 관중 중 누구도 모든 것이 미리 생각되었다고 추측하지 않는 방식으로 이루어져야합니다. 제작에 참여하는 감독은 비례감과 취향이 있어야합니다. 그렇지 않으면 사진이 인위적이고 생명력이없는 사진이 나올 것이며, 보시면 즉시이 사실을 알게 될 것입니다.

장르 사진은 구성에 따라 두 가지 유형으로 나눌 수 있습니다.
화보 - 선과 다채로운 점의 롤 콜;
효과적 - 사진 속 사물 간의 연결은 몸짓, 행동, 움직임을 통해 표현됩니다.

장르 사진가의 주요 임무는 무작위성입니다. 때로는 우연히 발생한 조건에서 최고의 사진이 촬영되기도 합니다. 아니면 오히려 사진가는 우연을 정복해야 한다. 그에게는 다음과 같은 자질이 필요합니다.
관찰;
투명화;
촬영 기술에 대한 지식;
구성적 비전;
제때에 셔터 버튼을 누르는 능력.

시간이 지나면 사진은 역사의 일부가 됩니다. 그리고 그러한 사진에 표현력이 부족하지 않다면 그러한 작업은 확실히 시간의 시험을 견딜 것입니다. 수직의

현재 사진은 아마도 현대 미술에서 가장 역동적으로 발전하는 분야 중 하나일 것입니다. 최근 사진이 본격적인 예술로 간주될 수 있는지 여부에 대한 지속적인 논쟁이 있었다고 상상하기는 어렵습니다. 이제 사진은 회화, 그래픽, 조각 등 고전 예술과 동등한 수준에서 자신감 있는 자리를 차지했습니다.

이제 카메라는 단순한 기술이 아니라 사람이 주변 현실을 다르게 볼 수 있도록 도와주는 특별한 도구이며, 사진은 이미지가 담긴 종이가 아니라 작가 자신의 생각과 내면을 반영한 것입니다. 저렴한 디지털 사진 장비의 등장으로 사진에 대한 새로운 관심이 사회 전반을 휩쓸었고, 게다가 이는 괜찮은 수준의 사진을 제공할 수 있게 되었습니다. 아마추어 사진에 관심이 있는 청중의 규모는 이제 인상적인 비율에 도달했습니다.

사진 전시회는 세계 각지에서 정기적으로 개최되어 일반적으로 동일한 스타일로 제작된 다양한 사진 작가의 작품을 선보입니다. 사진의 스타일 개념은 매우 주관적이지만 모든 사진을 표준 스타일로 조정할 수는 없습니다. 동시에 스타일을 인식하는 것은 어렵지 않습니다. 사진을보세요.

사진 스타일의 특징은 무엇입니까?

일반적으로 현대 사진 스타일은 다음과 같은 개념을 사용하여 특성화할 수 있습니다.

구성;
주제 해석;
색상과 톤의 사용;
사격기술;
그가 전달하려는 작가의 분위기 등.

이러한 개념의 조합이 사진 스타일을 형성합니다. 동시에 현대 사진가들은 글래머 또는 복고풍과 같은 클래식 스타일로 작업하고 자신만의 독창적인 스타일을 만들어냅니다. 각 스타일은 어떤 방식으로든 자신만의 스타일을 특징으로 하여 모든 사진을 독특하게 만듭니다. 사진의 스타일은 현재 사회에서 발생하는 프로세스, 인구의 다양한 부문에 내재된 추세 및 경향, 인간 활동의 결과로 발생하는 새로운 아이디어 등 다양한 요인의 영향을 받아 형성됩니다.

팝아트는 모든 경계를 지운다

지난 천년의 50~60년대에 일종의 아방가르드가 된 팝아트 스타일은 미국에서 엄청난 인기를 끌었고 현대 미술에 그 흔적을 남길 수밖에 없었다. 이 스타일은 그 시대의 특징적인 기호와 상징을 기반으로 합니다. 이 스타일 분야에 종사하는 예술가들 덕분에 대량 생산된 물건과 독특한 예술품 사이의 경계가 모호해졌습니다. 그 시대의 가장 저명한 대표자 중 한 명은 미국의 사진가이자 예술가인 앤디 워홀(Andy Warhol)입니다. 엘비스 프레슬리와 마릴린 먼로를 묘사한 화려한 콜라주의 소유자는 바로 그 사람입니다.

사진의 팝아트 스타일의 특징은 다음과 같습니다.

밝은 색;
대비 수준 증가;
이미지의 추상성;
유선형.

위의 기술은 모두 이 스타일로 작업하는 사진작가가 보는 사람의 관심을 끄는 데 도움이 되지만, 가장 예상치 못한 방법이 이에 적합합니다. 팝 아트는 항상 사진 작가가 가능한 한 창의적이고 상상력을 가지고 사진 과정에 접근하도록 장려했기 때문에 우리 시대에도 이 스타일은 여전히 예술 사진가들 사이에서 매우 관련성이 높고 인기가 높습니다.

오래전 추억을 간직한 레트로 사진

역사적 소속은 복고풍 사진을 다른 사진과 항상 구별하는 것이며, 또한 특정 정교함과 정교함을 가지고 있습니다. 일반적으로 이러한 사진은 과거의 가장 눈에 띄는 사건, 사람 및 장소에 대한 기억을 포착합니다. 이러한 이유로 복고풍 사진은 실내 장식의 대상이 되어 과거의 분위기를 불러일으키는 경우가 많습니다. 현대에 대해 이야기하면 우리 시대에 복고풍 사진을 찍는 것이 결코 쉬운 일이 아니라는 것이 밝혀졌습니다. 이전에는 카메라가 볼 수 없었던 구성 요소를 기술을 통해 캡처할 수 있기 때문입니다. 원하는 결과를 얻기 위해 마스터는 흑백 사진 자료를 사용하고 때로는 약간의 색상을 추가하지만 때로는 최소한의 중간 색조와 희미함으로 구별됩니다. 또한 복고풍 사진을 최대한 사실적으로 표현하려면 특정 역사적 시대에 해당하는 의류, 가구 및 가구에서 고대의 분위기를 재현하려고 노력해야 합니다. 물론 이러한 조작에는 많은 시간과 노력, 비용이 필요하지만 최종 결과는 일반적으로 명시된 모든 기대를 정당화합니다. 복고풍으로 촬영한 사진에는 지난 날에 대한 슬픔과 그리움이 담겨 있어 매혹적이면서 동시에 생생한 감정을 불러일으킵니다.

빈티지 시크 - 과거의 최고

무식한 사람은 빈티지 사진과 레트로 사진을 쉽게 혼동할 수 있지만, 이 스타일에는 고유한 고유한 특징이 있습니다. "빈티지"라는 단어는 프랑스어에서 왔으며 최고의 다양성과 품질을 지닌 와인으로 번역됩니다. 이는 이 스타일로 찍은 사진에도 내재되어 있으며 일반적으로 종류에 따라 독특하고 독특합니다. 이 섹션의 제목이 빈티지 사진이 과거부터 우리에게 내려온 최고라고 말하는 것은 아무것도 아닙니다. 현대 사진의 많은 새로운 트렌드와 경향에도 불구하고 빈티지 사진은 결코 시대에 뒤떨어지거나 관련성을 잃지 않습니다. 그러나 사진이 시간의 시험을 견디고 원본성을 잃지 않기 위해서는 사진작가-예술가는 많은 노력을 기울여야 합니다. 그리고 여기에서 현대 기술이 주인의 도움을 받습니다. 예를 들어, 다양한 편집 프로그램을 사용하여 사진에 빈티지 효과를 주거나, 색상이 바래거나, 물보라를 사용하여 낡은 효과를 만들 수 있습니다.